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| Nocturne, 2009 © Cecilia Paredes |
fototazo has asked a group of 50 curators, gallery owners, blog writers, photographers, academics and others actively engaged with Latin American photography to pick two photographers whose work deserves recognition.
This project aims to highlight great work being made in the region today and also to provide a starting point in both English and Spanish for exploring contemporary Latin American photography. LatAm f100 is a collaboration between fototazo and the photographer and educator Jaime Permuth.
Today we continue the series with selections by Alasdair Foster. His biography follows his selections.
fototazo ha invitado a un grupo de 50 curadores, galeristas, escritores, fotógrafos, y académicos - entre otros individuos seriamente comprometidos con la fotografía latinoamericana - a escoger cada quién dos fotógrafos cuya obra sea merecedora de mayor reconocimiento.
Este proyecto es una manera de celebrar el gran trabajo que se lleva a cabo en la región. Asimismo, busca proporcionar un punto de partida bilingüe en inglés y en español a las audiencias que deseen explorar la fotografía contemporánea en Latinoamérica. LatAm f100 es una colaboración entre fototazo y el fotógrafo y educador Jaime Permuth.
Hoy continuamos la serie con selecciones aportadas por Alasdair Foster. Encontrará su biografía al final del texto.
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Peru
[en español abajo]
The eye is caught by colour. Pattern engages the mind. Ambiguity fuels the imagination. This is no mere accident; these traits have evolved as essential to long-term survival. Colour changes with ripeness, with hotness, with disease; it calls to us, warns us, hides from us. It is by recognising and understanding patterns that we can order the world around us, describe and anticipate its ever-unfolding narratives and, in turn, represent this knowledge in symbolic configurations of our own devising. But it is ambiguity that engages us most strongly. The uncertain must be investigated, analysed, assayed against memory and made prescient in the mind's eye. While the play of young animals and children prefigures the dealings of adult life (conflict, cooperation, danger, love …), the skills we now associate with story-telling and the arts invert the process, repurposing the traits of survival to a kind of play. It is a reflexive kind of play that seeks not just to understand the exterior world, but ourselves. For it is through that understanding of self that we can reach out empathetically to conceive the interior life of others.
The "landscapes" of the Peruvian artist Cecilia Paredes draw on and articulate this interior experience. Her body lies camouflaged amid the ornate designs of chintz and wallpaper like a fugitive being in a prehistoric jungle. Is this the lair of the predator or the hiding place of the prey? Perhaps neither… For Cecilia Paredes, it is the marginal beings that she loves most. The misunderstood. Loners.
Her work with fabric designs evolved over a journey that took her from Peru to Costa Rica and on to the USA. The images arose from a synthesis of local experience and personal introspection. The lush tropical flora of Costa Rica made a deep impression that provided the visual tropes for this work, while she sensed in the animals she discovered there a powerful empathic identification.
Moving on again, this time to Philadelphia, those visual and emotional memories became the basis of a creative language through which to explore each new experience. The lot of the migrant is to become subsumed into the patterns of another culture, another way of life. To survive one must blend in; learn to be something else, someone new. The rich floral designs of chintz and wallpaper, and the inspiration she drew from the animal-life of Costa Rica, came together to express these feelings through a process of visual orchestration.
But are we lost to ourselves as we simply dissolve into the alien landscapes of the new?
These images are ambiguous. The disappearing act is in the eye of the beholder. The woman remains whole and uncorrupted, we just have to work harder to perceive how she inhabits the space of the frame, harmonising with (while remaining distinct from) the florid patterns and stylised foliage. Form describes the corporeal fact; pattern the context. And it is our evolved sense of self-preservation, repurposed to consider the internal life of others, through which we each have the possibility of true insight.
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| Firenze, 2018 © Cecilia Paredes |
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| The Secret, 2018 © Cecilia Paredes |
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| Dreaming Rose, 2009 © Cecilia Paredes |
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| Eve, 2018 © Cecilia Paredes |
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| Hermitage II, 2018 © Cecilia Paredes |
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| Looking East, 2018 © Cecilia Paredes |
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| Both Worlds, 2011 © Cecilia Paredes |
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| Vienna, 2017 © Cecilia Paredes |
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| Elusive Paradise, 2010 © Cecilia Paredes |
El ojo es atrapado por el color. El patrón atrae la mente. La ambigüedad alimenta la imaginación. Esto no es un mero accidente; estos rasgos han evolucionado como esenciales para la supervivencia a largo plazo. El color cambia con la madurez, con el calor, con la enfermedad; nos llama, nos advierte, se esconde de nosotros. Es al reconocer y comprender los patrones que podemos ordenar el mundo que nos rodea, describir y anticipar sus narrativas en constante desarrollo y, a su vez, representar este conocimiento en configuraciones simbólicas de nuestra propia invención. Pero es la ambigüedad lo que nos compromete más fuertemente. Lo incierto debe ser investigado, analizado, evaluado en contra de la memoria y hecho profético en el ojo de la mente. Mientras que el juego de animales jóvenes y niños prefigura el trato de la vida adulta (conflicto, cooperación, peligro, amor...), las habilidades que ahora asociamos con la narración de historias y las artes invierten el proceso, reutilizando los rasgos de la supervivencia a una especie de juego. Es un tipo de juego reflexivo que busca no solo entender el mundo exterior, sino también a nosotros mismos. Porque es a través de esa comprensión de uno mismo que podemos extendernos con empatía para concebir la vida interior de los demás.
Los 'paisajes' de la artista peruana Cecilia Paredes se basan y articulan esta experiencia interior. Su cuerpo yace camuflado entre los adornados diseños de chintz y papel tapiz como un ser fugitivo en una jungla prehistórica. ¿Es esta la guarida del depredador o el escondite de la presa? Quizás ninguno... Para Cecilia Paredes, son los seres marginales los que ella más ama. Los incomprendidos. Los solitarios.
Su trabajo con diseños de telas evolucionó en un viaje que la llevó desde Perú a Costa Rica y a los Estados Unidos. Las imágenes surgieron de una síntesis de la experiencia local y la introspección personal. La exuberante flora tropical de Costa Rica causó una impresión profunda que proporcionó los tropos visuales para este trabajo, mientras que ella detectó en los animales que descubrió allí una poderosa identificación empática.
Pasando de nuevo, esta vez a Filadelfia, esos recuerdos visuales y emocionales se convirtieron en la base de un lenguaje creativo a través del cual explorar cada nueva experiencia. La suerte del migrante es ser subsumido en los patrones de otra cultura, otra forma de vida. Para sobrevivir uno debe mezclarse; aprender a ser otra cosa, alguien nuevo. Los ricos diseños florales de chintz y papel tapiz, y la inspiración que ella tomó de la vida animal de Costa Rica, se unieron para expresar estos sentimientos a través de un proceso de orquestación visual.
¿Pero estamos perdidos para nosotros mismos ya que simplemente nos disolvemos en los paisajes extraños de lo nuevo?
Estas imágenes son ambiguas. El acto de desaparición está en el ojo del espectador. La mujer permanece íntegra y no corrompida, solo tenemos que trabajar más duro para percibir cómo ella habita en el espacio del marco, armonizando con (mientras mantiene la diferencia con) los estampados floridos y el follaje estilizado. La forma describe el hecho corporal; modelar el contexto. Y es nuestro sentido evolucionado de autoconservación, reutilizado para considerar la vida interna de los demás, a través de la cual cada uno de nosotros tiene la posibilidad de una verdadera percepción.
Antonio Briceño
Venezuela / Spain
[en español abajo]
Sex is a small word, but a large and complex area of human experience and being. The act is an intense pleasure that can also be used as a weapon. The ontological nature of gender, while systematised as a binary, is capable of subtle and fluid subjective expression. Social norms map the highways and byways of where, when and how sex is legitimate and where it is deviant, scandalous or illegal. These culturally defined maps are so familiar that attitudes to sex can quickly ossify becoming unquestioned and emotive certainties. In the industrial west, sex has become a lifestyle, a politics of identity and an impossibly idealised commodity.
In the nineteenth century, when scientific and legal authorities did much to catalogue, pathologise and criminalise those aspects of human sexuality deemed beyond the pale, it created a whole new sexual menu which, while its bill of fare was not innovative in itself, could be served up with exotic new names and a large dollop of sauce. The acts of the body were extended into the nature of the mind. In reaction against this commoditisation of sex, some sought to escape to distant cultures, where eroticism was (or appeared to be) simpler and more natural. However, seen through a contemporary post-colonial lens, such cross-cultural expeditions tend to be viewed with critical skepticism, if not downright opprobrium.
It is, then, a brave artist who seeks to engage the fluid nature of sex, gender and sexuality in cultures beyond the mores and strictures of the industrialised west, let alone represent them visually. But the Venezuelan artist, Antonio Briceño, is just such a person. For the last quarter-century, he has worked with more than thirty-five indigenous cultures spanning five continents, from the Sami of northern Europe to the Maori of New Zealand. There is a strong ecological thread that runs through his work, both in the naturalistic meaning of the environment and in the more metaphorical meaning of human diversity and interdependence. Much of his work pays homage to the mythologies and traditional wisdom at the heart of these cultures.
The images here are drawn from two series that address a more specific phenomenon depicting an ecosystem of sexual expression. They were made in and around the Peruvian city of Iquitos, deep in the Amazon jungle. Iquitos has become known for its relaxed attitude to sex. In "Equinoctial Love" the artist sets the languid androgyny of youth and the darker machismo of maturity in contexts that draw on the myth of Aphrodite and her acolytes. It is an aesthetic syncretism that interweaves cross-cultural symbols such as foam, arrows and doorways to speak indirectly of the act of sex in order to reflect upon the ontological nature of erotic states of being.
In contrast, "Thirteen Beds" pays attenuated attention to the act itself, an extended photographic exposure that captures love-making in a dynamic, but non-specific way. The images hint at a diversity of sexual preference while blending all in the swirling blur of coital union.
The series employ two distinct devices: the one a cross-cultural aesthetic symbolism, the other a subjective documentary impressionism. In the imaginative space between these two states, Antonio Briceño evokes the sensibility of one culture in terms that may be understood in another. Or, if not understood, then sensed somatically and felt empathically…
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| From the series "Equinoctial Love" © Antonio Briceño |
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| From the series "Equinoctial Love" © Antonio Briceño |
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| From the series "Equinoctial Love" © Antonio Briceño |
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| From the series "Equinoctial Love" © Antonio Briceño |
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| From the series "Equinoctial Love" © Antonio Briceño |
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| From the series "13 Beds" © Antonio Briceño |
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| From the series "13 Beds" © Antonio Briceño |
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| From the series "13 Beds" © Antonio Briceño |
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| From the series "13 Beds" © Antonio Briceño |
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| From the series "13 Beds" © Antonio Briceño |
El sexo es una palabra pequeña, pero un área grande y compleja de la experiencia y el ser humano. El acto es un placer intenso que también se puede usar como arma. La naturaleza ontológica del género, aunque sistematizada como un binario, es capaz de una expresión subjetiva sutil y fluida. Las normas sociales mapean las carreteras y caminos de dónde, cuándo y cómo el sexo es legítimo y dónde es desviado, escandaloso o ilegal. Estos mapas definidos culturalmente son tan familiares que las actitudes hacia el sexo pueden rápidamente osificarse y convertirse en certezas emotivas e incuestionables. En el oeste industrial, el sexo se ha convertido en un estilo de vida, una política de identidad y una mercancía increíblemente idealizada.
En el siglo XIX, cuando las autoridades científicas y legales hicieron mucho por catalogar, tratar como una patología y criminalizar aquellos aspectos de la sexualidad humana considerados fuera de lugar, crearon un nuevo menú sexual que, si bien su factura no era innovadora en sí misma, podría ser servido con nuevos nombres exóticos y una gran porción de salsa. Los actos del cuerpo se extendieron a la naturaleza de la mente. En reacción contra esta mercantilización del sexo, algunos intentaron escapar a culturas distantes, donde el erotismo era (o parecía ser) más simple y más natural. Sin embargo, visto a través del lente poscolonial contemporáneo, tales expediciones transculturales tienden a verse con escepticismo crítico, si no absolutamente oprobioso.
Es, entonces, un artista valiente quien busca abordar la naturaleza fluida del sexo, el género y la sexualidad en las culturas más allá de las costumbres y restricciones del oeste industrializado, por no hablar de representarlas visualmente. Pero el artista venezolano Antonio Briceño es justo ese tipo de persona. Durante el último cuarto de siglo, ha trabajado con más de treinta y cinco culturas indígenas que abarcan cinco continentes, desde los sami del norte de Europa hasta los maoríes de Nueva Zelanda. Existe un fuerte hilo ecológico que recorre su trabajo, tanto en el sentido naturalista del entorno como en el significado más metafórico de la diversidad e interdependencia humanas. Gran parte de su trabajo rinde homenaje a las mitologías y la sabiduría tradicional en el corazón de estas culturas.
Las imágenes aquí están extraídas de dos series que abordan un fenómeno más específico que representa un ecosistema de expresión sexual. Se hicieron en y alrededor de la ciudad peruana de Iquitos, en las profundidades de la selva amazónica. Iquitos se ha hecho conocida por su actitud relajada hacia el sexo. En 'Equinoctial Love' el artista establece la lánguida androginia de la juventud y el machismo más oscuro de la madurez en contextos que se basan en el mito de Afrodita y sus acólitos. Es un sincretismo estético que entrelaza símbolos transculturales como espuma, flechas y puertas para hablar indirectamente del acto sexual para reflexionar sobre la naturaleza ontológica de los estados eróticos del ser.
Por el contrario, 'Trece camas' presta atención atenuada al acto en sí, una exposición fotográfica prolongada que capta el acto de hacer el amor de una manera dinámica pero no específica. Las imágenes insinúan una diversidad de preferencias sexuales mientras se mezclan en el borrón de la unión coital.
La serie emplea dos dispositivos distintos: el que es un simbolismo estético transcultural y el otro un impresionismo documental subjetivo. En el espacio imaginativo entre estos dos estados, Antonio Briceño evoca la sensibilidad de una cultura en términos que pueden ser entendidos en otra. O, si no entendida, entonces percibida somáticamente y sentida empáticamente...
En el siglo XIX, cuando las autoridades científicas y legales hicieron mucho por catalogar, tratar como una patología y criminalizar aquellos aspectos de la sexualidad humana considerados fuera de lugar, crearon un nuevo menú sexual que, si bien su factura no era innovadora en sí misma, podría ser servido con nuevos nombres exóticos y una gran porción de salsa. Los actos del cuerpo se extendieron a la naturaleza de la mente. En reacción contra esta mercantilización del sexo, algunos intentaron escapar a culturas distantes, donde el erotismo era (o parecía ser) más simple y más natural. Sin embargo, visto a través del lente poscolonial contemporáneo, tales expediciones transculturales tienden a verse con escepticismo crítico, si no absolutamente oprobioso.
Es, entonces, un artista valiente quien busca abordar la naturaleza fluida del sexo, el género y la sexualidad en las culturas más allá de las costumbres y restricciones del oeste industrializado, por no hablar de representarlas visualmente. Pero el artista venezolano Antonio Briceño es justo ese tipo de persona. Durante el último cuarto de siglo, ha trabajado con más de treinta y cinco culturas indígenas que abarcan cinco continentes, desde los sami del norte de Europa hasta los maoríes de Nueva Zelanda. Existe un fuerte hilo ecológico que recorre su trabajo, tanto en el sentido naturalista del entorno como en el significado más metafórico de la diversidad e interdependencia humanas. Gran parte de su trabajo rinde homenaje a las mitologías y la sabiduría tradicional en el corazón de estas culturas.
Las imágenes aquí están extraídas de dos series que abordan un fenómeno más específico que representa un ecosistema de expresión sexual. Se hicieron en y alrededor de la ciudad peruana de Iquitos, en las profundidades de la selva amazónica. Iquitos se ha hecho conocida por su actitud relajada hacia el sexo. En 'Equinoctial Love' el artista establece la lánguida androginia de la juventud y el machismo más oscuro de la madurez en contextos que se basan en el mito de Afrodita y sus acólitos. Es un sincretismo estético que entrelaza símbolos transculturales como espuma, flechas y puertas para hablar indirectamente del acto sexual para reflexionar sobre la naturaleza ontológica de los estados eróticos del ser.
Por el contrario, 'Trece camas' presta atención atenuada al acto en sí, una exposición fotográfica prolongada que capta el acto de hacer el amor de una manera dinámica pero no específica. Las imágenes insinúan una diversidad de preferencias sexuales mientras se mezclan en el borrón de la unión coital.
La serie emplea dos dispositivos distintos: el que es un simbolismo estético transcultural y el otro un impresionismo documental subjetivo. En el espacio imaginativo entre estos dos estados, Antonio Briceño evoca la sensibilidad de una cultura en términos que pueden ser entendidos en otra. O, si no entendida, entonces percibida somáticamente y sentida empáticamente...
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Dr. Alasdair Foster is a writer, researcher and award-winning curator initiating intercultural photography and visual art projects around the world, especially in Asia and the Pacific Rim. He is Adjunct Professor in the School of Art of RMIT University, Melbourne and a member of the university's Contemporary Art and Social Transformation research group. Dr. Foster has 20 years' experience heading national arts institutions and over 35 years of working in the public cultural sector. He was the founding director of Fotofeis festival, Europe's largest photo event of the nineties (1991–1997) and director of the Australian Centre for Photography (1998–2011). He is currently Leverhulme Visiting professor at the University of Dundee, Scotland.
This series also includes responses from Molly Roberts, Mariela Sancari, Alonso Castillo, Paccarik Orue, Katrin Eismann, Dina Mitrani, Don Gregorio Anton, Cristina De Middel, Arturo Soto, Cecilia Fajardo-Hill, Guillermo Srodek-Hart, Yorgos Efthymiadis, Livia Animas, Juanita Bermúdez, Susana Raab, the pairing of Victoria Holguín and Daniella Benedetti, Emiliano Valdés, Muriel Hasbun, George Slade, Marta Dahó, Elizabeth Avedon, Jorge Piccini, Rodrigo Orrantia, Sujong Song, Nelson Herrera Ysla, Oliva María Rubio, Jonathan Blaustein, Patricia Martin, José Luis Cuevas, Zully Sotelo, Alfredo De Stefano Farías, Gonzalo Golpe, Julián Barón, James Rodríguez, Misha Vallejo, Musuk Nolte and Cintia Durán.
La serie también incluye contribuciones de Molly Roberts, Mariela Sancari, Alonso Castillo, Paccarik Orue, Katrin Eismann, Dina Mitrani, Don Gregorio Anton, Cristina De Middel, Arturo Soto, Cecilia Fajardo-Hill, Guillermo Srodek-Hart, Yorgos Efthymiadis, Livia Animas, Juanita Bermúdez, Susana Raab, el dúo de Victoria Holguín and Daniella Benedetti, Emiliano Valdés, Muriel Hasbun, George Slade, Marta Dahó, Elizabeth Avedon, Jorge Piccini, Rodrigo Orrantia, Sujong Song y Nelson Herrera Ysla, Oliva María Rubio, Jonathan Blaustein, Patricia Martin, José Luis Cuevas, Zully Sotelo, Alfredo De Stefano Farías, Gonzalo Golpe, Julián Barón, James Rodríguez, Musuk Nolte y Cintia Durán.
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This series also includes responses from Molly Roberts, Mariela Sancari, Alonso Castillo, Paccarik Orue, Katrin Eismann, Dina Mitrani, Don Gregorio Anton, Cristina De Middel, Arturo Soto, Cecilia Fajardo-Hill, Guillermo Srodek-Hart, Yorgos Efthymiadis, Livia Animas, Juanita Bermúdez, Susana Raab, the pairing of Victoria Holguín and Daniella Benedetti, Emiliano Valdés, Muriel Hasbun, George Slade, Marta Dahó, Elizabeth Avedon, Jorge Piccini, Rodrigo Orrantia, Sujong Song, Nelson Herrera Ysla, Oliva María Rubio, Jonathan Blaustein, Patricia Martin, José Luis Cuevas, Zully Sotelo, Alfredo De Stefano Farías, Gonzalo Golpe, Julián Barón, James Rodríguez, Misha Vallejo, Musuk Nolte and Cintia Durán.
La serie también incluye contribuciones de Molly Roberts, Mariela Sancari, Alonso Castillo, Paccarik Orue, Katrin Eismann, Dina Mitrani, Don Gregorio Anton, Cristina De Middel, Arturo Soto, Cecilia Fajardo-Hill, Guillermo Srodek-Hart, Yorgos Efthymiadis, Livia Animas, Juanita Bermúdez, Susana Raab, el dúo de Victoria Holguín and Daniella Benedetti, Emiliano Valdés, Muriel Hasbun, George Slade, Marta Dahó, Elizabeth Avedon, Jorge Piccini, Rodrigo Orrantia, Sujong Song y Nelson Herrera Ysla, Oliva María Rubio, Jonathan Blaustein, Patricia Martin, José Luis Cuevas, Zully Sotelo, Alfredo De Stefano Farías, Gonzalo Golpe, Julián Barón, James Rodríguez, Musuk Nolte y Cintia Durán.